Y es que, más de diez años después del estreno de Titanic -cuyo éxito la convirtió en la película más taquillera de todos los tiempos-, el oscarizado director James Cameron vuelve a las andadas con el proyecto más ambicioso de su carrera, el cual supongo que no necesitará presentación alguna.

No es para menos, ya que la aventura de Avatar empezó a gestarse hace unos quince años, cuando Cameron, inspirado en “todos y cada uno de los libros de ciencia ficción que había leído de niño” (sic), escribió unas 220 páginas en formato novela sobre la idea de una nueva raza humanoide, su cultura y la historia de la colonización de su planeta por parte de la humanidad.

Una década más tarde, después de Titanic y de sus andaduras por el documental y la experimentación del cine en tres dimensiones, adaptó sus ideas a un guión, y empezó a trabajar en la película. El director de Mentiras arriesgadas declaró que no quería crear a los Na’Vi -los alienígenas habitantes de Pandora que ha creado para Avatar- de forma puramente artesanal, a partir de actores reales y toneladas de maquillaje y prótesis. Su intención siempre ha sido plasmarlos digitalmente, un terreno en el que Cameron y su equipo no sólo se mueven como pez en el agua, sino que han innovado como nadie. Lo hizo en Abyss, y lo repitió con Terminator 2: El juicio final, dejando a medio mundo con la boca abierta gracias a ese prodigio técnico que supuso y sigue siendo el T-1000 en estado líquido (interpretado en su estado “normal” por Robert Patrick).

Para Titanic, la sorpresa de los “stunts” digitales y la utilización de maquetas en multitud de tamaños, no fue tan significativa, pero empezó a verse a un Cameron innovando en el terreno técnico, junto con su hermano Mike (ingeniero aeronáutico), creando desde la nada unas cámaras especialmente para poder filmar el metraje donde el barco de los sueños real hacía acto de presencia, bajo la terrible y feroz presión del Océano Atlántico, a aproximadamente tres kilómetros de profundidad.

La sorpresa técnica que Cameron tenía preparada para Avatar no la revelaría hasta el verano de hace tres años, cuando anunció que crearía su propio sistema de cámaras para filmar en 3D como nunca se había hecho antes, utilizando dos cámaras de alta definición en un solo cuerpo para crear una sensación de profundidad más real. El sistema también permitiría agilizar el proceso de post-producción, haciéndolo casi inmediato, añadiendo el entorno digital después de que las emociones e interpretaciones de los actores hubieran sido capturadas, y permitiendo observar directamente en un monitor cómo los actores virtuales homólogos interactúan con la película del mundo digital en tiempo real, ajustando y dirigiendo las tomas y secuencias como si fuese acción en vivo.

Teniendo en cuenta los antecedentes, no es nada extraño que Avatar despertara unas expectativas tan grandes, ya desde su gestación. El regreso de Cameron, uno de los mejores directores de cine espectáculo que existen, y todas las promesas técnicas que ha hecho durante todos estos años, han alimentado la promoción casi gratuita de la película por todo el ciberespacio, en multitud de foros, páginas y blogs dedicados al cine.

Ahora que llega su estreno, todo el mundo se está haciendo la misma pregunta: ¿Estará Avatar a la altura de toda la expectación generada?

Bueno, según se mire… Personalmente, recomendaría a todos aquellos que vayan al cine este viernes que se relajasen. Como dijo Harrison Ford (o Steven Spielberg, ahora mismo no lo recuerdo muy bien) durante la promoción de Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal: “es sólo una película”. Dejad el hype con vuestro dinero invertido, junto a la taquillera, y abrid vuestras mentes a esa realidad.

Porque Avatar no es la panacea de todos los males del séptimo arte… pero sí lo será para vuestras ansias de ver uno de los mayores espectáculos de la década.
No, el filme no cuenta nada nuevo. De hecho, es uno de los remixes más flagrantes que se han hecho últimamente, viniendo a ser una mezcla entre Bailando con lobos, Pocahontas y La princesa Mononoke ubicada en una galaxia muy, muy lejana. Pero al fin y al cabo, a no ser que sean unos males intolerables para nuestras pobres mentes, los tópicos y los clichés constantes no deberían ser una molestia importante si el guión, en el fondo, es sólido y está bien hilvanado. Por fortuna y pese a ser más de lo mismo, la historia de Avatar es sólida y está bien construida, sin caer en momentos ilógicos con las acciones de sus personajes, además de ser muy consciente de que al espectador se le ha de respetar y tomar en serio.

Teniendo en cuenta esto y la naturaleza de su director, no habrá ningún problema para disfrutar de lo que sin duda alguna es el máximo aliciente de la película: el espectáculo. Sí, James Cameron no se equivocaba ni exageraba al hablarnos entusiasmado del apartado técnico de Avatar. Tampoco lo hacía Sam Worthington, el protagonista de la cinta, al afirmar que ésta era “jodidamente real”. Y es que, técnicamente hablando, no sólo es la mejor película en tres dimensiones que se podrá ver hasta ahora, sino que posee los mejores efectos visuales que se han hecho hasta ahora.

Desconozco hasta dónde el 3D (imprescindible, por cierto) juega un factor importante, pero el CGI mejora enormemente respecto a lo que vimos en el tráiler, donde sin duda nos pusieron las peores tomas de la película. De hecho, es la primera vez que me olvido que estoy viendo “muñecos” creados por ordenador, por mucho motion capture que haya.

El diseño de los Na’Vi podrá gustar más, menos o nada, pero el realismo que se ha conseguido con ellos, una vez superada la barrera de la incertidumbre, deja al Gollum de Andy Serkis a la altura de Roger Rabbit. Tanto los dobles digitales de Sam Worthington, Sigourney Weaver y Zoe Saldana pasan perfectamente por los actores reales, por no hablar de la integración absolutamente perfecta de los actores en un entorno totalmente digital, tal y como Cameron había prometido. Al menos en 3D, los planos son tan naturales como creíbles, con una profundidad sin precedentes, al contrario que las ahora mediocridades prehistóricas que se pueden ver en las precuelas de Star Wars, y en el King Kong selvático de videojuego que nos ofreció Peter Jackson. Ni un solo croma que cante, ni una sola toma donde existan movimientos raros por la integración entre lo real y lo digital. Una secuencia que sirve como ejemplo perfecto sería cuando el personaje de Zaldana, Neytiri (que gracias a la técnica de movimiento consigue captar la interpretación de la actriz con una fidelidad que asusta), interactúa físicamente con el de Worthington.

Sí, una mano digital grande como una cabeza humana entra en contacto con la parte derecha del rostro del protagonista, sin tembleques ni halos extraños. Sí, nos lo creemos al instante.

Las secuencias de acción no podían estar más a la altura de las circunstancias. Por supuesto, estamos hablando de James Cameron, el rey montando pifostios que nos dejen con la boca abierta. ¿Qué es lo que ocurre cuando un director así no tiene limitación física alguna para recrear lo que tiene en mente, gracias a las nuevas tecnologías, y sobretodo a las que ha creado expresamente para esta película? Que nos encontraremos con un espectáculo masivo de los que ya merecen la pena pagar la entrada (y más cuando supone un coste adicional por las 3D), al servicio tanto de la acción como de la perfecta recreación del planeta Pandora: un entorno totalmente rico en detalles y fascinante en su diseño, pero lo más importante de todo: completamente vivo.

Desde luego, para los que busquen algo trascendental y profundo a la hora de ir al cine, no será su película. Es una certeza matemática que la historia de Avatar peca de ser tan poco original que podrá suponer un handicap para algunas personas. Francamente, cuando el director es James Cameron, uno ya sabe a lo que atenerse. Sus pretensiones son obvias, “as usual”, y su sentido del espectáculo sigue intacto e in crescendo.

En ese sentido, Avatar supondrá la mejor inversión que podréis hacer en una sala de cine y, por supuesto, uno de los mejores festines audiovisuales que podréis ver ahora y, quién sabe, quizá en algunos años. ¿Lo mejor? Que junto con el 3D, abre un amplísimo abanico de posibilidades para el futuro, dejando a un lado todo tipo de complejos que la era digital del cine ha tenido a lo largo de casi veinte años.

fuente: cinefilo

Pelicula Pandorum con Denis Quaid

Pandorum podría ser descrita como una mezcla entre Horizonte Final y The Descent, sin el impacto de la primera ni la descarnada ferocidad de la segunda. Aunque podría parecerlo, el resultado no es catastrófico, sino un cumplidor híbrido entre géneros, que une con esfuerzo una ambientación claustrofóbica propia de la ciencia ficción espacial, una premisa de thriller y un desarrollo típico del cine de terror. Individuos desubicados y perdidos, que caminan hacia lo desconocido compartiendo con el espectador esa ignorancia, mientras son hostigados por un terror carnívoro al que combaten en equipo, sí, pero en clara desventaja, a la vez que avanzan por varios niveles hasta alcanzar el objetivo que buscan, que puede ser generador nuclear averiado, palanca de autodestrucción o módulo de salvamento, elijan. Pandorum es el resultado de esta premisa, desgastada ya del uso y el abuso.

Un filme con un final mágico (o eso intenta), precedido por una trama tópica, una narración atropellada y algún histrionismo en su reparto, que encabeza con soltura el a veces infravalorado, otras sobrevalorado Ben Foster, uno de esos actores que sigue buscando su lugar a pesar de los envenenados consejos de quienes, a veces, le elijen los papeles. Un conjunto que no destaca ni maravilla, pero que proporciona entretenimiento sin pretensiones mesiánicas, y en el que el poderoso escote de Antje Traue, émula de una Lara Croft hiperviolenta y sustituta germánica, neumática y malencarada de la Jovovich en el filme, se convierte en un protagonista más, con sus propios planos y que, a falta de diálogos, logra hablar por sí mismo. A pesar de sus notables taras y su falta de osadía, Pandorum funciona como diversión ligera, aunque eso sí, sólo con la colaboración del espectador.

Para disfrutarla este debe hacerlo por la noche, apagar las luces, cerrar las persianas, aislarse y dejarse llevar sin hacer demasiadas preguntas.

fuente: ktrsis

Tras habérsela pegado bien fuerte con Southland Tales en 2006 (película inédita en nuestro país), vuelve a la carga con una propuesta aparentemente mucho más comercial que sus anteriores películas: The Box (“La caja”), thriller protagonizado por Cameron Diaz, James Marsden y Frank Langella, basado en el relato corto deRichard Matheson publicado en 1970, y titulado “Button, Button” (“Botón, botón”), inspirado a su vez en otro cuento, de Isaac Asimov, y que curiosamente se titulaba de la misma forma.

A principios de octubre de 1959, empezaba su emisión en la cadena norteamericana CBS una peculiar serie de televisión: The Twilight Zone, La dimensión desconocida. Durante prácticamente un lustro, la fantasía, el terror y la ciencia ficción embelesaron a las audiencias estadounidenses con sus 156 episodios. El éxito fue tal que en 1985 empezó un revival que duraría 65 capítulos más.

El 7 de marzo de 1986 se estrenó un capítulo basado en el relato de Matheson, ambientado en la actualidad de la época. La televisión fue, sin duda, el medio ideal para estrenar esta adaptación. Y el estilo de The Twilight Zone, algo retro y con un halo de misterio muy particular, dotaron a ese episodio del tono adecuado.

Con la adaptación cinematográfica sobre la mesa (o dentro del proyector), uno no sabe cómo reaccionar inmediatamente ante lo visto en pantalla.

La premisa de la historia es bien simple: Una mujer recibe a un hombre misterioso en casa, el cual le deja una caja con un botón en su parte superior. El hombre le dice que si presiona dicho botón, alguien a quien no conoce morirá y, a cambio, recibirá un millón de dólares al día siguiente, que él mismo se lo entregaría en mano.

La sensación que me ha dado The Box durante toda la proyección ha sido de querer y poder, pero no llegar. Richard Kelly es un director eficiente y con estilo propio, como muy bien nos demostró con Donnie Darko. Cuando quiere crear un determinado tipo de atmósfera, la crea, y resuelve las secuencias rodándolas con una elegancia simple e impecable.

En The Box, Kelly trata de recrear lo mismo. Sabe crear un clímax. Lo crea y le da forma, pero no fondo, como si él y la propia película estuvieran demasiado acomplejados por la naturaleza de la historia: The Twilight Zone, la serie B, lo retro, un tono en concreto. Pero no encuentra su lugar y se lía a la hora de tratar con el género. Las pretensiones le pueden. El problema ya no son los complejos, sino cómo tomarse la esencia de la historia. Y Kelly se la toma demasiado en serio, creando unas situaciones presuntamente inquietantes que terminan cayendo en el más absoluto de los ridículos, al más puro estilo del peor M. Night Shyamalan.

El resultado es una película que no funciona ni siquiera en su interesante carga metafórica. Desde luego, Kelly sabe captar la atención y, al menos, entretiene algo. Arriesga alejándose del típico blockbuster, e incluso tiene algunos aciertos completamente aislados, pero patina en lo que ya he mencionado arriba.

El reparto apenas ayuda. James Marsden no logra captar la atención en ningún momento, ni siquiera en las escenas más dramáticas; mientras que la dudosa capacidad de Cameron Diaz (y su operadísima cara) para el drama hace estragos en todas y cada una de las secuencias que protagoniza, incluidas las más delicadas, forzándonos a preguntarnos si el director de casting estaba realmente sobrio cuando le tocaba trabajar.

Frank Langella es el único miembro del reparto que, apenas sin mover una ceja, consigue llenar la pantalla y hacernos olvidar, por un momento, el despropósito quimérico que sucede ante nuestras narices.

Si pulsando el botón de la caja se detuviera la proyección, en lugar de darnos el millón de dólares del film, yo sin duda lo apretaría. A pesar de las consecuencias.

fuente: cinefilo

Hablar de ‘This Is It’ es hablar de un espectáculo coreográfico entre bambalinas, vestuarios y ensayos. La genialidad artística y sobre todo, la continua búsqueda de la perfección en un revitalizado y -por qué no- autoritario Michael Jackson asientan las bases sobre lo que será toda la película. A medida que ésta avanza, Kenny Ortega deja ver claramente que casi todo el desarrollo de la película serán ensayos y más ensayos de un Michael al que la voz no le hace justicia a las ganas que le pone en cada actuación sobre el escenario. Ortega, que saca puro petróleo en el montaje del filme, juega perfectamente con el “corta y pega” apostando por el caballo ganador en el último tramo de la cinta con ese fantástico adelanto del nuevo videoclip de “Thriller” en 3D, con “Beat it”, con ese fantástico “Black or white” y con su himno por antonomasia “Billie Jean”. Una pequeña reseña en forma de decepción llega en ese mismo tema al no ver ni un solo “moonwalker”, únicamente conatos en sus tobillos que no terminan con la magia y la energia que él sabe trasmitir. Por suerte, el buen sabor de boca está asegurado al final con mi canción preferedida, “Man in the mirror”.

Siendo fan aférrimo de Michael Jackson desde hace un par de años, me duele decirlo pero he de confesar que me han parecido un poco repetitivas algunas -sólo algunas- actuaciones como la que abre la lata: “Wanna be starting something”. Tampoco se quedan atrás “Human nature” o “Earth song”, aunque ésta última se salva por ese fantástico clip que se nos muestra de fondo. Con esto sólo puedo decir que no se la recomiendo a nadie que no le seduzca lo más mínimo Michael Jackson porque se puede tirar de los pelos al cuarto de hora de puro aburrimiento. Quizá suene un tanto dictatorial lo que digo, pero ‘This is it’ sólo está destinada a su público, prueba de ello es la disparidad que estamos viendo con sus puntuaciones y las críticas por ahora vertidas. Metiéndonos de nuevo más a fondo con su legado, he echado mucho de menos algunas canciones tan conocidas como “Blood on the dance floor”, “Dirty Diana”, “Ghosts”, “Heal the world”, “Leave me alone”, “You are not alone” o mismamente “You rock my world”.
A pesar de eso, es mi deber hacer un claro llamamiento a todos los fans: ¡La tenéis que ver! Porque sí, porque su testamento musical no concluyó con su muerte, porque su lado más humano, cómico y artístico se combinan mejor que nunca, porque él intentó ofrecer con todas sus ganas la mejor versión de sí mismo a sus 50 años, porque por fin se le escucha chapurreando una palabra en español, porque jamás volveremos a ver a Rita Hayworth y a Humphrey Bogart compartiendo el mismo plano con él, porque podemos disfrutar del adelanto del nuevo videoclip de “Thriller” (quizá lo más apasionante de todo), porque no se olvidan de The Jackson 5, porque -sin dramatizar- conmoverá a todos sus fans, porque queremos que todos sus bailes sean eternos y que todas sus canciones suenen en lo más profundo de nuestra alma hasta el último de nuestros días.

Gracias por todo “Jacko”. Descansa en Paz.  fuente:  elseptimoarte

Beyonce y Idris Elba

La película gira en torno a un trio amoroso donde la mala malisima de Ali Larter quiere hacerse con el marido de Beyonce que es sinceramente la mas decente de la película en cuanto a interpretación se refiere; y el peor sin duda Idris Elba, un chico que aparenta mucha más edad de la que tiene en realidad y que parece ser respetado en Hollywood, aunque no sabemos muy bien el motivo.

A la película le falta de todo y lo poco que tiene esta bastante mal llevado, la banda sonora no pega ni con cola, el ritmo varia durante los 108 minutos hasta aturdir y no saber lo que esperar… es plana y desaprovecha un par de oportunidades en los giros que tiene y que acaban por conducir a ninguna parte.

Ali Larter, la lama malisima de esta pelicula

Intenta seguir los pasos de la inigualable “Atracción Fatal” y tiene alguna escena calcada de “La mano que mece la cuna”, ambas películas a años luz de esta “Obsesionada”.

Para colmo de males, la potentísima actriz Ali Larter apenas deja ver su cuerpo, lo cual hubiese sido un gran aliciente… si que lo intenta al menos pero curiosamente una escena pretendidamente erótica y morbosa no logra su objetivo ni de lejos y de nuevo decepciona.

Por todo ello, un 3 de puntuación para esta película que cuesta de ver y que si la protagonizaran dos actrices desconocidas ni siquiera hubiese sido estrenada en Cines.

Poster Obsesionada

Pinche aquí para ver el vídeo

Y hay poco que reprochar a esta ópera prima, que está espléndidamente rodada y fotografiada, bien interpretada (loable trabajo el de Chris Pine) y narrada con un interesante enfoque de road-movie intimista (el caos provocado por el virus sólo lo vemos a través de los ojos de los protagonistas durante su periplo). El problema, para mí, es el modo en que han intentado venderla. Si veis el tráiler, sabréis a qué me refiero. Porque el tráiler parece el de una película de puro terror, con infectados que se vuelven zombis y dan mucho miedo. De hecho, la primera mitad de la historia también juega a hacerte creer, entre distintos y tramposos golpes de efecto, que los muertos van a revivir de un momento a otro para comenzar a devorar a los demás. Pero no, esto nunca ocurre, los muertos están muertos y punto, y es mejor que entréis avisados a la sala, porque la disfrutaréis de la forma correcta.

“Infectados” no es cine fantástico en sentido estricto: es cine “realista” sobre el ser humano enfrentado a su propio instinto de supervivencia en un contexto extremo y desolador. Y, como tal, cumple sus objetivos. Pero cuando te hacen creer que estás ante una de zombis, pues te quedas con las ganas de que alguien se coma a alguien.

Infectados

fuente: extracine

Poster "Good" de Vigo Mortensen

Sin poder afirmar que la película es mala, por que no lo es… ya que tampoco da mucho tiempo a ver mucho con sus cortos 96 minutos de duración, si que se podría afirmar que es una película < vacía > siendo este el efecto opuesto al que se quería conseguir, más aun teniendo en cuenta un pretencioso plano-secuencia final que te deja con la sensación de que en ese momento es cuando debería empezar la película; y que la hora y media anterior era un simple prólogo.

Pequeña Sinopsis: John Halder, un hombre bueno y honrado con problemas personales. Es profesor de literatura en la Alemania de los años 30 y publica una novela en la que explora sus circunstancias familiares y defiende la eutanasia. Varios políticos usan el libro para apoyar la propaganda gubernamental, y la carrera de Halder como escritor despega gracias a una optimista corriente de nacionalismo y prosperidad. Pero este cambio de suerte le hace tomar decisiones aparentemente sin importancia, pero con devastadoras consecuencias para las personas que le rodean.

Parte de lo “soso” de esta película es que no conduce a ninguna parte, varias tramas hiladas de manera deficiente y lenta concurren a lo largo del film y todos ellos pasan desapercibidos y faltos de importancia y notoriedad suficiente, no tiene fuerza, no “engancha”.

Si algo se puede destacar es el papel de jason-isaacs, un actor Ingles con una dilatada carrera conocido últimamente por su papel en Harry Potter del profesor  Lucius Malfoy. El personaje tiene garra y es lo que necesita la película pero desgraciadamente esta no es capaz de mostrar una relación viva y eficaz entre ambos personajes protagonistas, lo que le resta fuerza al final de la misma.

Lo mejor de la película podría ser Viggo Mortensen y no por su interpretación que es bastante plana y aporta bien poco a la historia, si no por la evolución del personaje que aunque solo deje entrever lo que podría haber sido una película soberbia, cumple eso si con el objetivo del director Vicente Amorim. Aquello de que alguien se convierte en algo que no esperaba, lo hemos visto cientos de veces; algunas más acertadas que otras y en esta ocasión la película tiene una escena bastante decente enfrente de un espejo, ojala todo hubiese tomado el mismo rumbo.

Good en IMDB

Alejandro Amenabar y Rachel Weiz en Ágora

Vale que formalmente “Ágora” es impecable. Lucen de sobra los millones que se han destinado a la recreación de la Alejandría del siglo IV d.C., y hay muchos extras, mucho plano aéreo y mucho de todo. Pero otra cosa es que la historia que se cuenta resulte tan interesante como Amenábar espera. La odisea de Hypatia tiene elementos atractivos y completa vigencia actual, eso está claro. Su lucha por sus estudios científicos y sus firmes ideales está muy bien reflejada en el guión, y el personaje está encarnado por una Rachel Weisz muy entregada a la causa. ¿Qué falló entonces para mí?

Creo que a “Ágora” le falta dimensión emocional, justo aquello que sobraba en “Mar adentro”, por ejemplo. En mi caso, “Ágora” no consiguió traspasar la pantalla, no al menos de una forma poderosa ni suficiente para mantenerme embelesado a lo largo de las dos horas que dura (el montaje que se proyectó en el Festival de Cannes duraba quince minutos más). Durante el visionado, noté el paso de los minutos, que es lo mismo que decir que me aburrió en muchos momentos, y me costó mantener la atención, algo que creo que ocurrirá a más de uno. Y cuando llegó el final, que en teoría está concebido para resultar estremecedor, me quedé frío, muy frío. No sé, ya me contaréis vosotros.

fuente: cineextra

Rec 2 con Manuela Velasco

Balagueró y Plaza se enfrentaban a un reto a la hora de confeccionar esta segunda parte. Podían repetir la fórmula o escarbar en ella continuando la historia. Y han elegido lo segundo. Bien es verdad que, como ellos mismos dicen, había que introducir más sangre, más acción, más de todo, que para eso es una secuela, y lo han hecho. Pero no se han olvidado de avanzar, de empezar a dar respuestas a lo que en REC eran cuestiones embadurnadas de sangre. Han escogido una de las múltiples opciones que tenían para ello y, aunque a mí no es la que más me gusta, hay que reconocer que el pulso está bien llevado en todo momento, de modo que la inmersión de lleno en el cine fantástico (aunque se mantenga la estética realista de la cámara subjetiva) no chirríe con lo apuntado en un principio.

Sin bajar la guardia en ningún momento, que para eso estamos donde estamos, la película da respiros e incluso ligeros momentos humorísticos con absoluta naturalidad y sin resultar forzados. Más allá de las posibles metáforas del lado oscuro de cada uno (de hecho todos los “infectados” que vemos aquí son las personas normales de la primera), REC 2 se introduce en cada espectador mediante problemáticas mucho más cercanas a la calle de lo que el aluvión de hemoglobina deja ver. Uno de los momentos más aplaudidos de su estreno en SItges fue cuando un personaje le pega una bofetada a un chico que se empeña en hacer lo que le viene en gana. En la vida real ese adulto haría frente a una querella, pero aquí no, que esto es cine fantástico.

Rec 2 con Manuela Velasco

Prueba superada por tanto para la continuación de la saga de terror de la Fantastic Factory, la cual consigue no aburrir en ningún momento y volver a sacar jugo (fluídos, más bien) a tan reducido espacio. Sin duda arrasará en taquilla. Esperaremos la tercera entrega con expectación.

http://www.rec2lapelicula.com

Rec 2 - Estreno en Sitges

fuente: vadecine

Pero esta nueva película, protagonizada casi en exclusiva por Matt Damon, es más de lo que en realidad aparenta ser. Como su propio protagonista…

En verdad no es fácil hablar de una película como ¡El Soplón! sin tener que soltar datos relevantes de la trama. Ésta, aparentemente, no tiene por qué albergar secreto ninguno. Pero es que esa es la gracia de la película. No el que tenga un secreto, sino el mismo secreto en sí mismo, que por supuesto voy a intentar no revelar realizando alguna que otra virguería gramatical.

Basada en la novela homónima de Kurt Eichenwald, ¡El Soplón! es una película bastante peculiar, no por su trama, que en el fondo es de lo más convencional que uno se puede echar en cara, sino por sus formas.

Soderbergh construye una película alrededor de su personaje central, Mark Whitacre, interpretado por un inconmensurable Matt Damon (que pide una nominación al Oscar® a base de susurros en off). Imprime a la perfección la personalidad de Mark en el guión del film (firmado por Scott Z. Burns), lo cual no deja de ser curioso, pero no termina resultando precisamente un punto positivo, ya que el ritmo se ve mermado considerablemente hasta la posibilidad de poder crear confusión en la platea sobre lo que está pasando en pantalla.

Los acontecimientos suceden de forma muy rápida en todos los sentidos, pero la película se va haciendo cada vez más lenta por falta de datos y paciencia… hasta que la trama se quita la máscara y desvela su secreto. Entonces, claro está, todo adopta su forma original, y se destapa la broma. Si antes las risas venían de lo absurdo, de la torpeza de un personaje excesivamente benévolo e ingenuo en apariencia, ahora se acentúan gracias a las rocambolescas situaciones que van sucediendo ante nosotros.

En ese aspecto (que el protagonista trascienda a la trama y se convierta además en el ritmo de la película, como si él mismo la hubiera escrito) es brillante. Pero hasta el precio que determinaría la paciencia del espectador por culpa de ese ritmo tan puñeteramente irregular.

El resto de elementos de la película casan a la perfección con la personalidad de ésta. Los miembros del reparto que quedan están a la altura en cualquier momento, aún y cuando Damon les pasa la mano por la cara constantemente, con especial mención a un Scott Bakula que, de tan irritado, resulta cruelmente divertidísimo.

La banda sonora de Marvin Hamlish, original y descacharrante, no hace más que acentuar el extraño contraste entre el sentido del humor de la película y su curiosa estética retro: ambientada en la década de los noventa, está rodada como una película de los setenta, gracias a la eficaz fotografía del propio Soderbergh, que ha trabajado bajo el seudónimo de Peter Andrews.

¡El Soplón! es, en definitiva, una mirada al escándalo de la fijación de precios con la que se relacionó a la empresa agricultora ADM (Archer Daniels Midland), siempre desde la peculiar perspectiva de su protagonista. Un film que, si no fuera por su director y el particular tono que reina en general durante gran parte del metraje, sería uno más en cartelera.

Poster de El Soplón con Matt Damon

fuente: cinefilo